Evan Eisenberg en Simon Frith (ESP)

Estudiando encontré la siguiente cita, que me gustaría compartir:
“La vida del músico de blues de gira, observa Charles Keil, proporciona toda la soledad y celo que se necesita para cantar blues de manera auténtica. Se trata de un poderoso extracto de la vida moderna. La situación de grabación es un extracto mucho más poderoso y representativo aún. Las cabinas de vidrio y los parlantes que aíslan al músico del resto de sus compañeros, la abstracción del público; la sensación de estar produciendo un objeto y de estar manufacturando una mercancía, la deconstrucción del tiempo en tomas y su reconstrucción por medio de empalmes son poderosas metáforas de la vida moderna. Su reflejo en la experiencia del oyente son la soledad, el uso de la música como objeto y como mercancía, el colapso de la arquitectura pública del tiempo y la creación de un diseño temporal interior privado. En tanto contradicen todo lo que alguna vez significó hacer música, resultan paradojas.”


Evan Eisenberg

Pequeña explicación del super hyper mega meta lidio / Quick explanation of the super hyper mega meta lydian (ESP&ENG)

Explicación desde la escala mayor:
Algunas personas explican las escalas como 2 tetradas. Asumiendo la distancia entre 1 2 3 4 como la primera tetrada y 5 6 7 8 como la segunda, cada una con sus relaciones interválicas, en el caso de la escala mayor sería

1 2M 2 2M 3 2m 4 2M 5 2M 6 2M 7 2m 8

que en el caso de Do mayor sería:
do 2M re 2M mi 2m fa 2M sol 2M la 2M si 2m do

Si lo pensamos desde el punto de vista planteado son 2 tétradas a distancia de x 2M x 2M x 2m x


Lidio:
Si analizamos la estructura de una escala lidia tendríamos

1 2M 2 2M 3 2M 4 2m 5 2M 6 2M 7 2m 8

que en el caso de Do Lidio sería:
do 2M re 2M mi 2M fa# 2m sol 2M la 2M si 2m do

resultando en 2 tétradas:
La primera: 1 2M 2 2M 3 2M 4
La segunda: 5 2M 6 2M 7 2m 8

El super hyper mega meta lidio:

La explicación del super hyper mega meta lidio: Tan simple como poner la primera tétrada del lidio, asumir que la 5ta nota estará a una 2da menor y volver a repetir la misma tétrada, generando una escala que escala sucesivamente en el mismo patrón:

do re mi fa# 2m sol la si do# 2m re mi fa# sol# 2m la si do# re# 2m etc

Notas:

Nota Crítica: Una de las cosas absurdas de la perspectiva escala = 2 tétradas es que al considerar 2 tétradas no se resalta lo suficiente la distancia entre la primera y la segunda tétrada (en caso de la escala mayor la distancia entre las notas 4 y 5, que son una 2M. y en el caso de lidio es una 2m).

Nota constructiva: Por otro lado, es importante recordar que las escalas son inútiles si no sabes como usarlas, puesto que la música es relacional: no se trata de las notas, sino de las relaciones entre ellas; y para esto no hay libro que ayude, la mejor guía es crear junto a un maestro que te guíe personalizadamente.









Quick explanation of the super hyper mega meta lydian



Explanation from the major scale:

Some people explain the scales as 2 tetrads. Assuming the distance between 1 2 3 4 as the first tetrad and 5 6 7 8 as the second one, each with its intervalic relationships, in the case of the major scale would be


1 2M 2 2M 3 2m 4 2M 5 2M 6 2M 7 2m 8


in the case of C major would be:

2M re 2M mi 2m fa 2M sol 2M 2M yes 2m do


If we think about it from that point of view, there are 2 distance tetrads of x 2M x 2M x 2m x



Lydian:
If we analyze the structure of a scale, we would have


1 2M 2 2M 3 2M 4 2m 5 2M 6 2M 7 2m 8


in the case of C lydian would be:

c 2M d 2M e 2M f # 2m g 2M 2M b 2m c


Producing 2 tetrads:

The first: 1 2M 2 2M 3 2M 4

The second: 5 2M 6 2M 7 2m 8


The super hyper mega meta lydian:


The explanation of the super hyper mega meta lydian: It is as simple as putting the first tetrad of the lydian, assuming that the 5th note will be a 2nd minor and repeating the same tetrad, generating a scale that is successively in the same pattern:


c d e f # 2m g a b c # 2m d e f # g # 2m a b c # d # 2m etc


Notes:

Critical Note: One of the absurd things of the scale = 2 tetrads perspective, refers to the distance between the first and second tetrads due to it is not sufficiently highlighted (in case of the larger scale the distance between notes 4 and 5 , which are a 2M. and in the case of lydian is a 2m).

Constructive note: On the other hand, it is important to remember that the scales are useless if you do not know how to use them, since the music is relational: it is not about the notes, but about the relationships between them; consequently there is no book to help you, the best guide is to create with a teacher to guide you personally.

3 mistakes to avoid when choosing a teacher or institution /3 errores a evitar cuando has de elegir un profesor o escuela (ESP&ENG)

3 errores a evitar cuando has de elegir un profesor o escuela

1- Que un músico sea rápido o que toque cosas complejas no lo convierte en un buen profesor:

Un típico error es creer que por estudiar con X persona tocarás como esa persona. Es fácil confundirse y creo que es un factor importante a considerar, ya que no sólo sucede lo anteriormente expuesto sino que se descubre que muchos excelentes intérpretes usan la pedagogía como un medio de subsistencia sin tomar el peso al trabajo que conlleva guiar a un estudiante dándole los recursos adecuados, en los tiempos que corresponde a través de una planificación precisa y adaptada para las habilidades y potenciales desarrollos del aprendiz (e idealmente alineándose con sus objetivos: punto 3).

2- Pensar que porque una escuela tiene estudiantes “famosos” es buena:

En Chile, las escuelas de música mienten, el prestigio lo gana cada músico dependiendo no sólo de su trabajo musical sino de su habilidad en human networking (lobby), marketing, producción, etc. Todas las escuelas pueden vanagloriarse de los logros de sus estudiantes más conocidos: eso no significa que ellos hayan hecho algún esfuerzo extra para que sus estudiantes llegasen allí. Por otro lado la fama en si misma, no tiene nada que ver con el valor musical, la disciplina invertida en la música, el trabajo realizado y la calidad de éste. (ésta declaración da para otro post).

3-  No investigar lo suficiente:

Para investigar debes tener claro lo que deseas: si deseas hacer música o si deseas hacer música y ganar dinero haciéndola.

Conociendo esa respuesta lo siguiente es comprender el paradigma de la música (cómo funciona, cuáles son los rubros, cuáles de ellos son remunerados y cuales son las posibilidades reales de trabajo). Luego de considerar eso el profesor o escuela siempre tiene una misión y visión (quienes son, de dónde vienen y hacia adonde van; quien no tenga esto claro como pedagogo no vale la pena), con eso en consideración puedes contrastar esa información con tus intereses y finalmente tomar una decisión responsable, informada y sobretodo que esté alineada con tu verdadero propósito musical.

Texto: Danilo Dawson

Photo by Tim Graf on Unsplash

3 mistakes to avoid when choosing a teacher or institution

1- A musician who plays faster or someone who plays complex things does not make him a good teacher: A common mistake is to believe that by studying with a specific person will make you like him. It’s easy to get confused and I think it is an important factor to consider because not only the things that I already mentioned happen but also you can discover that many excellent interpreters use the pedagogy as a means of subsistence avoiding the importance of this job, for instance, guiding a student by giving the appropriate resources in periods of time through precise and adapted planning for skills and also, potential the learner developments (and ideally aligning with their objectives: 3rd mistake).


2-Thinking that an institution has “famous” students is a good one:
In Chile, music institutions lie, the prestige of each musician depends not only of their work but also on his ability in human networking (lobby), marketing, production, etc. All institutions can boast about the achievements of their best-known students: that does not mean that they have made some extra effort to get their students there. On the other hand, the fame itself has nothing related with the musical value, discipline invested in music, work done, and its quality. (This statement is for another post).



3- Lack of research:

To research you must be clear about what you want: if you want to make music or if you want to make music and earn money. Knowing that answer, the next step is to understand the music paradigm (how it works, which ones are your options, which of them are paid and what are the real possibilities to work). After considering those points, the teacher or school always has a mission and vision (who they are, where they come from and where they are going; who does not have this clear as a pedagogue is not worth it), with that you can compare and contrast the information with your own interests and finally make a responsible choice, informed and above all, that could be aligned with your true musical purpose.

Tip: La mesura – The moderation (Esp&Eng)

Tip: La importancia de la mesura en todo

¿Eres perfeccionista? ¿Autoexigente? ¿Conoces tus límites?

En éste espacio de tips para mis estudiantes, clientes y suscritos varios, normalmente doy tips apuntando a la productividad a partir de la acción, pero esta vez iré a lo contrario.

En una vida entera de trabajo incansable, dónde mientras más tiempo pasa el estudio y el talento se hacen más insuficientes he descubierto un secreto tremendo y que carga años de experiencia: está bien parar.

El límite: En mi experiencia he tenido la suerte de conocer y exceder mis límites, y creo que siempre es bueno saberlos. De esa manera puedes adquirir compromisos que podrás cumplir y rechazar en los que no alcanzarás a lograr el cometido de una forma óptima (esto abre a debate “qué es óptimo” y por otro lado, un tema que da para otro post: ¿Cómo decir que no?). Mis límites como compositor, sesionista de música popular en piano, arreglador, productor y co-compositor, y profesor han sido:

Composición: 200 canciones en 2 meses; 4 canciones en un día (a los 14 años)

En sesiones – grabaciones: grabar 12 temas en 2 horas (con banda) (2012)

En grabación de composiciones: grabar 16 temas en 3 horas. (el 2018)

En composición y producción: Dar cierre a una colaboración composicional y hacer el arreglo en el DAW-maqueta para 20 instrumentos aprox (incluidos 6 brass) en un día. (2018)

En arreglos y producción: hacer un arreglo de bigband con la grabación en vst en 2 días y Hacer 3 arreglos para cuartetos de cuerda y piano en una noche (en ambos casos la experiencia fue una locura y honestamente preferiría no repetirlo nuevamente). (2013 y 2018)

La cantidad no implica calidad; mi última obra para piano “Colores” me tomó prácticamente 6 meses escribir. El disco escamas me tomó 4 años, pero Seventh Gate lo compuse (las líneas e ideas principales) en 2 meses.

A sabiendas de mis límites prefiero tener 2 semanas para estudiar una sesión/evento. En el caso de las producciones y composiciones por encargo (o co-composiciones) entre 1 a 2 meses, pero eso es mi caso y creo que cada uno debe encontrar el balance entre lo que considera lo mínimo para entregar y el tiempo sano que tome realizarlo. Con respecto a mis propias composiciones hoy en día he acumulado tantas que para componerlas me tomo el tiempo que tenga que tomarme, y en la producción de éstas el límite es la fecha de lanzamiento. Volviendo a los límites en trabajos para-con otras personas: en muchos casos quedé con sensaciones de stress y otras emociones negativas que… mirándolo con retrospectiva no tiene ningún sentido cuando eliges hacer lo que te apasiona.

Por supuesto que éste texto está escrito a gente autoexigente, perfeccionista, que le encanta hacer bien las cosas y que de cierta forma, no puede evitarlo; ésta es la gente con que trabajo. Bajo ninguna circunstancia creo que la mediocridad lleve a alguna parte, si bien en el mundo que vivimos ser experto en algo no implica que te vaya bien, el desarrollo y despliegue de todas las habilidades que implican avanzar requieren disciplina y trabajo. Caer en el otro extremo es un problema que puede costarte muy caro si no sabes parar aunque sea unos minutos, un día, o lo que sea necesario.

La mesura me llegó como un rayo cuando empecé a tener serios problemas de salud. Cosa que no había sentido realmente desde la lesión que adquirí en mis viajes y que nunca me abandona. Desde distintos lados, estudios de emprendimiento, yoga, libros filosofía, amigos, etc. comprendí que la mesura es como el silencio de la música tradicional, sin respiro no hay canto, sin aire no hay vida. Si no sabes medir la mesura mi tip de hoy es búscala y sigue trabajando duro, avanzando constantemente, amando la música/producción o lo que sea que hagas, disfrútala al máximo. Tener esos pequeños respiros ayudan a recordar que somos unos “”””afortunados”””” por poder darnos tiempo para hacer lo que nos apasiona.

Fotografía y Texto: Danilo Dawson

ENG:


Tip: The importance of moderation in everything

In this section which is dedicated to my students, clients and several subscribers, I usually give tips, from the action, focused on productivity, but now, I will go to the opposite way.

In a lifetime of tireless work, as time goes by, the study and talent becomes more insufficient. For that, I have discovered a tremendous secret that carries years of experience: it is okay to stop.

The limit: In my experience, I have been lucky to know and exceed my limits because you can know them. Consequently, you can acquire commitments that you can fulfill and also reject in which you will not be able to achieve in an optimal way (but “what is optimal?”, this topic could develop another post too: How to say not?). My limits as a composer, sessionist of pop music in piano, arranger, producer and co-composer, and teacher have been:

Composition: 200 songs in 2 months; 4 songs in one day (at the age of 14)

– In sessions – recordings: record 12 tracks in 2 hours (with band) (2012)

– In recording compositions: record 16 tracks in 3 hours. (2018)

– In composition and production: Close a compositional collaboration and make the arrangement in the DAW-model for 20 instruments approx (including 6 brass) in one day. (2018)

– In arrangements and production: make a bigband arrangement with the recording in vst in 2 days and make 3 arrangements for a string quartet and piano in one night (in both cases the experience was crazy and I would honestly prefer to not repeat it again). (2013 and 2018)

Quantity does not imply quality; My last piano work “Colors” took me almost 6 months to write. The disc called Escamas took me 4 years, but Seventh Gate composed it (the main lines and ideas) in 2 months.

According to my limits, I prefer to have 2 weeks to study a session / event. In case of productions and compositions (works made for hire) or co-compositions between 1 to 2 months, but that is my case and I believe that each one must find the balance between what he/she considers the minimum to deliver and the healthy time it takes do it. Regarding to my own compositions, nowadays, I have accumulated so many that to compose them I take the time I have to take, and in the production of these the limit is the release date. Returning to the limits in work for- other people: in many cases I felt stress and other negative emotions that … looking back at it makes no sense when you choose to do what you are passionate about.

Just to be clear, this text is written to self-demanding, perfectionist people, who loves to do things well and who, in a certain way, cannot avoid it; these are the people I work with. Under no circumstances I believe that mediocrity leads anywhere, although in the world we live, to be an expert in something does not imply that you are doing well, furthermore, the development and deployment of all the skills that involve moving forward require discipline and work. On the other hand, moving on to the other extreme is could be a problem that can cost you a lot if you can’t stop even a few minutes a day, or whatever it takes.

The moderation came to me like a lightning when I began to have serious health problems due to I had not really felt that since the injury that I acquired during my travels and that never leaves me. From different points of view, entrepreneurship studies, yoga, philosophy books, friends, etc. I understood that moderation is like the silence of traditional music, without breathing there is no singing, without air there is no life. If you don’t know how to measure moderation, my tip today is to look for it and keep working hard, constantly moving forward, loving music / production or whatever you do, enjoy it. Having those little breaths help you to remember that we are “” “” lucky “” “to be able to give ourselves time to do what we are passionate about.

Photography y Text: Danilo Dawson

Tips para elegir una silla para producir y un piso para piano. (ESP&ENG)

Con respecto a los pisos para piano:

Importancia: Considéralos parte del instrumento; si no tienes la altura adecuada, todo el sistema va a estar mal y vas a terminar lesionado. Si tu profesor no te ha enseñado la postura ideal desde la columna de aire hasta la punta de los dedos entonces has elegido un mentor inadecuado.

¿Cuál elegir?: En Chile he comprado 4 pisos para piano / batería con distintas alturas para finalmente encontrar los 2 ideales para mi. Los 4 pisos iniciales, de un costo de 50000 pesos chilenos (100USD aprox) murieron entre 6 meses a 2 años, quedaron con la madera molida por dentro especialmente los que tenían el sistema de soporte conectado a la madera dependiendo de ella. Estos pianos también fueron vendidos con cierta urgencia en los distintos lugares donde fui a buscar ayuda; NO CONFÍEN, recuerden que a los vendedores les pagan por venta, lamentablemente en mi experiencia confirmé que a esas personas en particular no les interesó nunca que llevase algo de calidad (deben haber excepciones a la regla pero no fue mi caso). Finalmente busqué los mejores: para mi K&M no ha decepcionado ni un pixel; uno de los puntos más importantes que deben observar es que tienen el sistema de ajuste completamente metálico y no depende de ninguna pieza de metal. Tengo 2 pisos, uno llamado “piano bench” full ajustable a 200.000 pesos chilenos (400usd aprox) y uno con 4 medidas fijo que uso para los viajes que costó 50.000 pesos chilenos. Ambos tienen ya 4 y 2 años respectivamente y no he tenido absolutamente ningún problema con ellos, su sistema de control de altura es impecable y el confort es de primer nivel. Sé que las K&M full ajustables ya no llegan a Chile, pero sé que venden unas con el mismo sistema en PianoImport.

Ventajas: tiempo de vida superior a 2 años (en mi experiencia ya van 4 años)

Desventajas: Debes usar la llave para ajustar cada cierto tiempo, de lo contrario comienza a generar un sonido que ensucia las grabaciones. En los otros pisos esto sucede sin solución posible.

* El precio: Si piensas a corto plazo es una desventaja, pero así como comenté en “cómo elegir pianos eléctricos”, elegir el correcto puede convertirse en un 800% de ahorro o más ya que si el producto va a durar 2 años eso implica un gasto futuro seguro.

La forma correcta de sentarse es muy importante no sólo para el piano sino para trabajar en producción frente al DAW. Por lo mismo debes considerar aprender a sentarte de la forma correcta si quieres dedicarte a tocar algún instrumento sentado y/o producir en un DAW o cualquier actividad seria y de largas horas frente a un escritorio.


Con respecto a las sillas para producción:

Importancia: Debido a mi lesión en ambos brazos (para quienes no lo saben los doctores me dijeron el 2013 que debido a la lesión en cada brazo no volvería a tocar piano otra vez, cosa que he podido hacer con la guía adecuada y a costa de trabajo intenso, constante, disciplinado y amoroso) para mi cualquier dolor creado por el mal sentar se acelera y multiplica. Por lo que resulta mucho más “fácil” encontrar los defectos de un asiento, piano bench o mesa para trabajar, incluso de lápices. Sin embargo, no fue hasta que mis brazos quedaron incapacitados por 2 semanas que decidí comprar un asiento ergonómico para el escritorio; no puedo negar que pensaba que era un malgasto de dinero, sin embargo, luego de investigar y adquirirlo debo aceptar que es una de las mejores adquisiciones en cuanto a la notable mejora en términos de salud y productividad.

¿Cuál elegir?: En Chile me encontré frente a las marcas típicas de cualquier lugar: ergonómicas de oficina y gamers. En mi caso, me incliné a las gamer, pues tenían la inclinación de brazos que yo necesitaba vs las de oficina. En cuanto a marcas me vi tentado a la hype del momento “Pegasus”. Sin embargo busqué más opciones, fue entonces cuando encontré “Mundo Gaming” un sitio web donde uno de sus puntos más seductores era la atención vía wsp (cosa que con mi equipo utilizamos) y personalización de la atención. Acto seguido les escribí y fueron increíblemente amables y precisos. Incluso envié las medidas que yo requería para saber que modelo de silla servía para mis requerimientos de salud, no sólo respondieron a tiempo sino me enviaron múltiples imágenes con cada medida posible, y los modelos disponibles. Han de saber que hay distintos precios, y que normalmente las mejores están al rededor de 200.000 pesos chilenos (400 USD aprox), lo que sí les puedo asegurar es que si quieren asegurarse en cuanto a recibir una silla que cumpla con sus requerimientos (y que pueden comentarlos con la empresa en cuestión) el lugar indicado es “Mundo Gaming”, que no sólo fueron amables online antes, durante y después de la compra, brindaron un excelente servicio en armado (cosa que para mi es imposible por mis lesiones) y entrega a domicilio.

Las cosas más importantes para un asiento para producir es el soporte a la espalda y a los brazos; la posición desde la escápula a la punta de los dedos debe ser la correcta. Si no sabe cual es recuerde que a agrandes rasgos (si quiere aprender de verdad, investigue con un experto) sentarse bien implica (entre otras cosas) que en los brazos exista un angulo muy levemente superior a los 45 grados, espalda recta, escapulas en posición e isquiones soportando el peso, así como la columna de aire y los abdominales, etc.

Link de cómo sentarse correctamente:

Ventajas: Adaptación en 360 grados, servicio al cliente y post venta de buen nivel.

Desventajas: Al igual que en los “piano bench” se genera ruido si no lo ajustas cada cierto tiempo (por eso debes tener la llave y ellos la facilitan). Para productores esto es clave puesto que grabamos un montón estando sentados y en casos de home studio el mic no está en una sala aparte sino cerca de la silla.

——-

texto y foto: Danilo Dawson

Tips to choose a chair for production and a piano bench

Regarding piano bench:

Importance: Consider them part of the instrument; If you do not have the right height, the whole system will be used in the wrong way and you will end up injured. If your teacher has not taught you the ideal posture from the air column to the fingertips, you have chosen an inappropriate mentor.

Which one?: In Chile, I have bought 4 piano bench/ drums with different heights to finally find the 2 ideal ones for me. The first 4 bench which cost 50,000 Chilean pesos (100USD approx) did not last more than 6 months to 2 years, the wood was grinded inside especially those that had the support system connected to the wood depending on it. These pianos were also sold with some urgency in the different places where I went to get help; DON’T TRUST THEM, remember that sellers are paid for sale a product. Unfortunately in my experience, I confirmed that these people, in particular, were never interested on advice me about quality (there should be exceptions but it was not my case). Finally, I looked for the best: for me K&M has not disappointed any pixel; One of the most important points you need to check is that they have a completely metallic adjustment system and it does not depend on any piece of wood. I have 2 piano benchs, one is called “piano bench” full adjustable which it cost 200,000 Chilean pesos (400usd approx) and another one with 4 fixed measures that I use for trips that cost 50,000 Chilean pesos. Both are already 4 and 2 years old respectively and I have not had any problem with them, their height control system is incredible and its comfort is indisputable. On the other hand, I know that full adjustable K&Ms is no longer available in Chile, but I know that this company, PianoImport, sells some with the same system.

Advantages: it lasts more than 2 years (in my experience there have already been 4 years)

Disadvantages: You must use the key to sometimes adjust it, otherwise, it is going to generate a sound that makes the recordings unclear. Using other benchs, this happens without a possible solution.

* The price: If you think, in the short term, it is a disadvantage, but as I wrote on “how to choose electric pianos”, choosing the right one can become 800% savings or more because if the product is going to last 2 years that implies a safe future expense.

The correct way to sit is very important not only for the piano but to work in production in front of the DAW. For this reason, you should consider for learning to sit in the right way if you want to dedicate to play some instrument which requires a seat and / or produce in a DAW or any serious activity which can take you more hours in front of a desk.


Regarding the chairs for production:

Importance: Due to my injury in both arms (for those who do not know, the doctors told me in 2013 that due to the injury in each arm, I would not play piano again, which I could do with the proper guide and intense, constant, disciplined and loving work) for me, any pain created by bad sitting accelerates and multiplies the same injury. So, it is much “easier” to find the disadvantages of a seat, piano bench or table to work, even pencils.

However, it was not until my arms were incapable for 2 weeks that I decided to buy an ergonomic desk seat; I cannot deny that I thought it was a waste of money, however, after researching and acquiring it, I must accept that it is one of the best acquisitions in terms of the remarkable improvement, health and productivity.

Which one ?: In Chile I found the typical brands of any place: office ergonomics and gamers. In my case, I focused on the gamers chairs because they had the arms inclination that I needed vs. the office ones. As for brands, I was interested in the hype of the moment “Pegasus”. However I looked for more options, it was then that I found “Mundo Gaming” a website where one of its most seductive points was the attention via WhatsApp (which we used with my work team) and customers personalized attention. Then I texted them and they were incredibly kind and precise. I even sent the measures that I required to know which chair model was proper for my health requirements, what is more, they were not only answered in time but sent me multiple images with each possible measurement and also the available models. You should know that there are different prices and normally the best ones are around 200,000 Chilean pesos (400 USD approx), what I can assure you is that if you want to make sure that you receive a chair according to your requirements (and which you can discussed with the company) the indicated place is “Mundo Gaming”, which were not only friendly online before, during and after the purchase, they provided excellent service in assembly (which is impossible for me because of my injuries) and home delivery.

The most important things for a seat to produce is the back support and the arms; The position from the scapula to the fingertips must be correct. If you do not know which one, remember that, as a general rule, (if you really want to learn, investigate with an expert) sitting well implies (among other things) that in the arms there is an angle very slightly higher than 45 degrees, straight back, scapulae in position and hamstrings supporting the weight, as well as the air column and the abdominals, etc.

Link about how to sit correctly:

https://grupfisioderm.com/como-sentarse-correficiente/

Advantages: 360 degree adaptation, customer service and good level after sales.

Disadvantages: As in the “piano bench”, the noise is generated if you do not normally adjust it (so you must have the key and they provide it). For producers, this is important since we recorded a lot while sitting and also in home studio the mic is not in a separate room but near the chair.

——-

text and photo: Danilo Dawson

Julio – El tótem (ESP-ENG)

ESP:

Éste post, a diferencia de los anteriores (dirigidos a mis estudiantes y clientes), está dirigido a mis colegas pedagogos – profesores.

Un colega especialista en niños necesidades educativas especiales me comentó una técnica que estaba estudiando que consistía en utilizar un tótem.

El tótem hablaría por el profesor cualquier cosa que podría entenderse como negativa o agresiva, de tal manera que en vez de llevar toda la energía 1:1 se haría un triángulo, dónde el objetivo podría decirle todo lo que siente o piensa al tótem mientras uno podía utilizar lo observado para poder mejorar la práctica pedagógica.

Es curioso que aunque yo sólo hago clases a mayores de edad, el uso de tótem se volvió una herramienta muy práctica EN ADULTOS. Pues con los años el autocontrol se vuelve parte de una habilidad de sobrevivencia, por lo tanto el aprendiz comúnmente oculta pensamientos o sentimientos con respecto a la práctica, desde el entender información hasta la frustración de no verla sucediendo en la interpretación del instrumento.

Los detalles técnicos de cómo cada profesor utilice el tótem es algo que depende netamente del plan de estudios y metodología elegidos, sin embargo me pareció adecuado dedicar este post al compartir éste conocimiento, que a más de algún pedagogo le será de utilidad.

ENG:

This post, different to the previous ones (for my students and clients), is focused to my colleagues who are pedagogues – teachers.

A colleague who is specialist in children with special educational needs told me about a technique that she was studying, which is about of using a totem. The totem would speak for the teacher anything that could be understood as negative or aggressive, so that instead of focusing all the energy 1: 1, a triangle would be made where the target could tell everything he feels or thinks to the totem while the teacher uses that information to improve the pedagogical practice.

It is curious that although I only teach to +18, the use of totem became a very practical tool IN ADULTS. As over the years, self-control becomes part of a survival skill, therefore the student commonly hides thoughts or feelings regarding practice, from understanding information to the frustration related with the interpretation of the instrument.

The technical details regarding how each teacher uses the totem is something that depends clearly on the curriculum and methodology chosen, however it seemed appropriate to dedicate this post to share this knowledge, which will be useful to more than one teacher.