How to study piano? Brief information for frustrated students

Intro: Productivity is key. It does not matter if you think that sitting down to study piano for 2 hours is to study: IT IS NOT. Studying implies a progress, nothing assures you that sitting down to play some exercises will make you achieve that. Therefore, you must know what to do, to use that time productively.

1) Think before you play. Use the knowledge you are acquiring, including metrics, rhythm, tonality, texture, melodies, harmony and form. Visualize the piece in your head musically, then on the instrument. It is not necessary to play, you must have clearly defined your ideas first. Using what you know is a boost in your productivity.

2) In my experience, at least to read the piece once at an extremely slow tempo, without making mistakes, it is always good.

3) Divide and conquer: Separate by phrases, sections, the more you break the piece into small problems, and the solutions one by one, the more productive will be your time.

4) Connect the solved sections, connect them backwards (with the previous phrases or sections), always at an extremely slow tempo.

5) Do not trust yourself, playing something well once does not mean that your body has learned it, play it until you have that certainty. Not absorbing it involves the risk of making mistakes, once you make mistakes several times the body learns the error always reproducing it. * It is natural to make a mistake in a real performance (live), but (in the studio) playing a wrong note (or rhythm) because you did not know which one was correct is unacceptable. (The same applies to agogic, dynamic and articulations) 

6) Do not waste time playing sections that you have already overcome. If your focus is productivity over time, then you can expect to have the piece dominated before enjoying it. If you want to be technically productive, studying is usually boring, tedious and often frustrating, do not be surprised by those emotions: master yourself and master the piece before frustration dominates you. It is very common to surprise (yourself) studying from past sections just to have a sensation of the beautiful or well that section sounds before the chaos; unfortunately if your approach is to solve problems productively: you must avoid it, focus on solving problems slowly and connect them with consecutive sections until you have mastered the whole piece.

Developing a little bit more this point: Learn to start the study from the sections and phrases that you analyzed (it is different to know it through the analysis than to study it from different points).
7) BONUS: once the piece is mastered in terms of muscle memory at an extremely slow tempo, enjoy it, sing it, begin to play it: you deserve it, you did it.


¿Cómo se estudia piano? Breve informativo para el estudiante frustrado.

Intro: La productividad es clave. No importa si crees que sentarte a estudiar piano por 2 horas es estudiar: NO LO ES. Estudiar implica un avance, nada te asegura que sentarte a tocar los ejercicios lo implique. Por lo tanto, debes saber que hacer, para utilizar de forma productiva ese tiempo.

1) Piensa antes de tocar. Usa el conocimiento que estás adquiriendo, comprende la métrica, el ritmo, la tonalidad, la textura, melodías, armonía, y forma. Visualiza la pieza en tu cabeza musicalmente, luego en el instrumento. No es necesario tocar, primero debes tener claras las ideas. Usar lo que sabes es un boost en tu productividad.

2) En mi experiencia, al menos leer la pieza una vez a un tempo extremadamente lento, sin cometer errores, siempre es bueno.

3) Divide y conquista: Separa por frases, secciones, mientras más rompas la pieza en pequeños problemas, y los soluciones de a uno, más productivo será tu tiempo.

4) Conecta las secciones solucionadas, conéctalas hacia atrás (con las frases o secciones anteriores), siempre a un tempo extremadamente lento.

5) No te confíes, tocar una vez algo bien no significa que tu cuerpo lo haya aprendido, tócalo hasta tener esa certeza. No absorberlo implica el riesgo de equivocarte, una vez que te equivocas varias veces el cuerpo se aprende el error reproduciéndolo siempre. *Es natural equivocarse en una interpretación real (en vivo), pero (en el estudio) tocar la nota (o ritmo) incorrecta(o) porque no supiste cual era la correcta es inaceptable. (lo mismo se aplica para los matices y articulaciones)

6) No pierdas tiempo tocando secciones ya superadas. Si tu enfoque es productividad en el tiempo, entonces podrás esperar a tener la pieza dominada antes de disfrutarla. Si quieres ser técnicamente productivo estudiar suele aburrido, tedioso y muchas veces frustrante, que no te sorprendan esas emociones: domínate y domina la pieza antes de que la frustración te domine. Es muy normal sorprender(se) estudiando desde secciones superadas tan sólo para tener un gusto de lo lindo o bien que suena esa sección antes del caos; lamentablemente si tu enfoque es solucionar problemas productivamente: debes evitarlo, enfocarte en solucionar los problemas lentamente y conectarlos con las secciones consecutivas hasta dominar toda la pieza.

Desarrollando un poco más éste punto: Aprende a comenzar el estudio desde las secciones y frases que analizaste (es distinto saberlo a través del análisis que estudiarlo desde distintos puntos).

7) BONUS: una vez dominada la pieza en términos de memoria muscular a un tempo extremadamente lento, disfrútala, cántala, comienza a interpretarla: date el gusto, te lo ganaste.

Arrangements: Concept and Philosophy

What is a musical arrangement?

There are no stupid questions, and especially this one

The definition:

In simple words (and in my experience) an arrangement is the process that takes us to an official version of a composition. In particular, I can talk about songs because, I have re-arranged more songs than instrumental pieces.

The arrangements can appear after the composition, both from the composer himself, or an arranger, or a producer (in the case of pop music). However, arrangements sometimes appear in the composer’s imagination as a part of the composition itself; even so, the original arrangement may not be the last one; this is usually something that the producer or the recording label decides it.

The philosophy:

I fervently believe that the musical experience, both creative and interpretative, is a very important factor when we talk about arrangements. The technical-musical decisions are subjective, so the most appropriate position which I can speak is from the experience and my vision of the music. For the same reason, what I am going to express below may not be consistent with what other professionals think; it is not my intention to deny the validity of different thoughts, so (with all due respect) I will state what I believe and do in musical terms according to the arrangements.

Two things you must consider to align with my position:

-The music for me is EVERYTHING.

– So: I take the concept of music, its study and its application with absolute seriousness. However, I do not see music as just a technical deployment. Like “fine arts”, music implies a combination of feelings, values ​​or ideas.

As an independent composer, my philosophy regarding the choice of tools to use to arrange a song is based on honesty according to the musical imagination or “inner voice”. I think that the more the arrangement is aligned with the inner ear and it is consistent with the tools that emanate from it, the more solid it is.

Consistency is very important, so the balance between technique, knowledge and the ability to make music identifying in each place as being consistent is part of what is expected of a music professional.

As a composer by order and arranger, I think it is essential to know the style, its aesthetics, rules (which actually come from the same style) and its limits. With this in mind, you can contribute, both by respecting the “traditional” style school or breaking the rules. My general position is to respect the styles when someone asks me for a work oriented in a particular style. There are musicians who dedicate their entire lives to master a particular musical “language” (this is what is called in Spanish when a musician studies the aesthetics and execution of a particular style), therefore, for me, it is a sign of respect for years of working, not only focused on a musician but hundred of musicians who create, study, interpret and preserve the styles; It is true that there are others who take the styles further, giving a new path, however my choice is to try to adapt the needs of my client rather than my ideology (for that reason I have my own space as a composer and arranger)

The deployment:

As I mentioned before, the best way to be able to explain what it is to decide the elements of an arrangement is to share a part of my process. Although, musical arrangements are a subject that is studied, you can study a lifetime the technique, but it is the deployment of this, the subjective decisions that really allow us to learn as musicians and also (of course) create the music itself in an official format.

Therefore, to share decisions and philosophies about it, I would like to publish some of my processes in terms of arrangements in my compositions soon.

Los arreglos: Concepto y Filosofía

En que consiste un arreglo musical?

No hay preguntas tontas, y en especial, una tan importante como ésta

La definición:

En palabras simples (y en mi experiencia) un arreglo es el proceso que nos lleva a una versión oficial de una composición. En particular puedo hablar de las canciones pues, he re-arreglado muchas mas canciones que piezas instrumentales.

Los arreglos pueden aparecer después de la composición, tanto desde el mismo compositor, o un arreglador, o un productor (en el caso de la música popular). Sin embargo, aveces aparecen en la imaginación del compositor como parte de la composición misma; aún así puede que el arreglo original no sea el final; esto normalmente es algo que decide el productor o sello.

La filosofía:

Creo fervientemente que la experiencia musical, tanto creativa como interpretativa, es un factor de suma importancia a la hora de hablar de arreglos. Las decisiones técnico-musicales que se toman son subjetivas, por lo que el lugar más apropiado desde el cual puedo hablar es desde la experiencia y visión de la música. Por lo mismo, posiblemente lo que exprese a continuación no se condiga con lo que otros profesionales piensen; no es para nada mi intención negar la validez de pensamientos distintos, por lo que (con todo respeto) plantearé lo que yo creo y hago en términos musicales con respecto a los arreglos.

Se han de tener en consideración 2 cosas para alinearse con mi postura:

-La música para mi es TODO.

-Por lo tanto: me tomo la música, su estudio y su aplicación con absoluta seriedad. Sin embargo no veo la música como sólo un despliegue técnico. Como “bellas artes” la música implica un depósito de sentimientos, valores o ideas.

Como compositor independiente, mi filosofía con respecto a la elección a las herramientas a utilizar para arreglar una canción se basa en la honestidad con respecto a la imaginación musical o “voz interna”. Creo que mientras más se alinea el arreglo con el oído interno y se es consistente con la herramientas que emanan de éste, más sólido es.

La consistencia es clave, por lo que el balance entre la técnica, el conocimiento y la capacidad de hacer música identificando en cada lugar como ser consistente es parte de lo que se espera de un profesional de la música.

Como compositor por encargo y arreglador, creo que es fundamental conocer el estilo a trabajar, su estética, reglas (que en realidad vienen del mismo estilo) y sus límites. Con esto en mente uno puede aportar, tanto limitandose a respetar la escuela “tradicional” del estilo como a romper las reglas. Mi postura en general es respetar los estilos cuando se me solicita un trabajo “en estilo”. Hay músicos que dedican toda su vida a dominar un “lenguaje” musical en particular (así se le llama en español cuando un músico estudia la estética y ejecución de un estilo en particular), por lo tanto para mi es una señal de respeto a años de trabajo, no sólo de uno sino de cientos de músicos que crearon, estudian, interpretan y conservan los estilos; es cierto que hay otros que llevan los estilos mas allá, dándole un camino nuevo, sin embargo mi elección es tratar de adaptarme a las necesidades del cliente más que a mi ideología (para eso tengo mi propio espacio como compositor y arreglador)

El despliegue:

Tal y como mencioné anteriormente, la mejor forma de poder exponer en qué consiste decidir los elementos de un arreglo es compartiendo parte de mi proceso. Si bien, los arreglos musicales son una temática que se estudia, se puede estudiar toda una vida la técnica, pero es el despliegue de ésta, las decisiones subjetivas lo que realmente nos permite aprender como músicos y también (por supuesto) crear la música misma en un formato oficial.

Por lo mismo, para compartir decisiones y filosofías al respecto, planeo publicar próximamente algunos de mis procesos en términos de arreglos en mis composiciones.


Blogging and vlogging, I restored this blog and also, I activated a WordPress for those who prefer this way to check information.

I rediscovered, among other things, that I used to share quotes from authors (that make me sense), poems and, occasionally, a list of 10 instrumental pieces, songs or albums that were in my “whereabouts”. I felt nostalgic and happy to remember those albums and also realizing how much these music has affected in my work (in all its areas) at present, for the same reason, here is my top 10 of the last months.

1.- Moster – Dodie

2.- When you are ugly – Louis Cole

3.- A veces – Ana Tijoux

4.- 1997 – Ana Tijoux

5.- Velrours – Anomalie

6.- New Light – John Mayer

7.- South of the river – Tom Amish

8.- Alas de Luna – Fede Fomtela

9.- Nihls Fram – Ambre

10.- In the nature of daylight – Ritcher

Rediscover Anita’s work and realize that before the laidback in the music of Collier and Anomalie, she already, in 2011, was superimposing subdivisions of 5 and 7 on 2 and 4 was awesome .

On the other hand, discovering Tom Misch was wonderful, if the blessings exist, I’m sure his music is one of these.

10 en el paradero

Blogueando y Vlogeando entré en el ejercicio de revivir este blog y de paso activar un WordPress para quienes prefieren ese medio.
Redescubrí, entre otras cosas, que solía compartir citas de autores que me hacían sentido, poemas y también (de vez en cuando) una lista de 10 temas, canciones o discos que estuviesen en “mi paradero”. Me dió nostalgia y felicidad recordar esos discos y darme cuenta cuánto han afectado a mi trabajo (en todas sus zonas) actualmente; por lo mismo, acá van mis 10 de los últimos meses.

1.- Monster – Dodie
2.- When you are ugly – Louis Cole
3.- A veces – Ana Tijoux
4.- 1977 – Ana Tijoux
5.- Velours – Anomalie
6.- New Light – John Mayer
7.- South of the River – Tom Misch
8.- Alas de Luna – Fede Fontenla
9.- Nihls Fram – Ambre
10.- In the Nature of Daylight – Richter

Redescubrir el trabajo Anita y darme cuenta que antes de que el Laidback sonara en la música de Collier y Anomalie, ella ya en el 2011 estaba superponiendo subdivisiones de 5 y 7 en 2 y 4 fue realmente hermoso.

Por otro lado, descubrir a Tom Misch fue maravilloso, si las bendiciones existen, de seguro su música es una.

La importancia del Research: Experiencia con M-audio DAC, Presonus Audiobox, Mbox 3 Pro y Focusrite Saffire Pro 26

Mi experiencia con interfaces de audio es bastante acotada, sin embargo creo que puede ser de utilidad para mi clientes.

NOTA: Al final del post dejaré un apartado con el significado de algunas palabras técnicas para quienes aún no saben que significan
NOTA2: Este blog está complementado por un vlog que puede ver aquí:

Las interfaces, sus historias, mis impresiones:

He utilizado 4 interfaces durante mi experiencia, desde que soy estudiante hasta el día de hoy. Iré mencionando una a una la interfaz, mi experiencia y algunos Pros y Contras.

1- Mi primera interfaz: M-Audio DAC

Historia: Llegué a esta interfaz desde el presupuesto, la verdad: necesitaba una interfaz para eliminar la latencia* entre el controlador midi y mi computador. La usé por 4 años y medio

Descripción rápida: Ésta interfaz USB tiene 1 entrada JACK 1/4 o también llamada PLUG o “Línea”* y una salida de miniplug (salida de audífonos). Link de referencia:…

Nota de software: Para reducir la latencia fue útil pero fue necesario utilizar el ASIO4ALL* en Windows.

Para micrófonos: La grabación de micrófono es complicada ya que necesitarás un cable de XLR o CANON* a JACK1/4 lo cual es una muy mala idea pues de esa manera el control de intensidad (dB) es imposible, pasando de muy poco a muchísimo, haciendo muy posible el acople. Yo probé enviar el XLR del mic a una Mesa de sonido pequeña* y desde ahí enviar una señal por un JACK1/4 a la entrada de la interfaz, logrando baja de calidad e interferencias.

Para grabar instrumentos (como un bajo): funciona bastante bien.

Como funciona la salida: enviando un cable de miniplug a 2RCA hacia un equipo de música lo hacía.


Pro: es pequeña y liviana; funciona casi al límite del mínimo aceptable, destacando el “funciona”. Ideal para el estudiante con extremadamente poco presupuesto.

Cons: Pésima calidad en general, grabación de micrófono complicada (lo cual es evidente si piensas que no fue hecha para eso) y problemas de polifonía* a la hora de usar VSTi.

2- Presonus AUDIOBOX

Historia: Llegué a la Audiobox en una situacióin similar, bajo presupuesto (pero no tan bajo como la primera interfaz), cero conocimiento y la necesidad de tener algo urgente para lograr tanto conciertos en vivo usando controlador midi + computador y a la vez que sirviera para grabar con un micrófono para XLR y soportara bien mis VSTi para trabajos de composición. La usé por 4 años

Descripción rápida: Ésta interfaz FIREWIRE tiene 2 entradas híbridas (tanto JACK1/4 como XLR) y 2 salidas de línea (Jack 1/4); 2 salidas Jack1/4, una de audífonos (que creo que duplicada la señal stereo de salida) y entrada y salida MIDI. Link de referencia…

Nota de software: Para reducir la latencia fue útil pero fue necesario utilizar el ASIO4ALL* en Windows (generando problemas de polifonía), en Linux no hubo problema, en Mac funciona excelente.

Para grabar: La grabación de micrófono y línea es del mínimo esperable para un estudiante. Hoy en día (observando la experiencia de colegas) es la Scarlett de Focusrite la que ocupa su lugar en el mercado.

Como funciona la salida: La usé para en vivo a partir de Jack 1/4 (plug-plug), para trabajar con audifonos y aveces la conectaba a un equipo de música con un cable 2rca-2rca con adaptadores RCA a PLUG en un extremo.


Pro: Pequeña, liviana, funcional; ideal para estudiante; lo mejor de ella fue la versatilidad pues al ser liviana es facil de llevar y montar en conciertos. En OSX 10.7 (Mac) funciona a la perfección sin drivers requeridos.

Cons: La tecnología que transforma el sonido a digital (llamado conversor AD/DA) es de nivel bajo comparado a las profesionales de alta gama. En mi experiencia no funciona bien con windows, lo cual me puso en aprietos varios años.

3- MBOX PRO 3 (Avid)

Historia: Mbox 3 fue mi primera interfaz de gama alta, viajando por el mundo. Robusta y potente la utilicé para grabar audio, midi, voces e instrumentos, muchas veces todos a la vez. Su AD/DA es impresionante y tiene entrada MIDI dedicada (lo cual para mi siempre fue de utilidad). Sólo la usé en OSX (Mac). La usé por 4 años; ésta interfaz coexistió con la presonus, la cual seguía usando en vivo mientras usaba la MBOX para grabaciones.

Descripción rápida: Ésta interfaz FIREWIRE es 8×8 (4 híbridas, es decir tanto JACK1/4 como XLR) que en realidad es 6×6 puesto que usa 2 SPDIF in y out (que nunca usé ni supe usar). La salida de Audifonos es aparte de las normales y utiliza software para configurarlo. Con respecto al uso MIDI tiene entrada y salida MIDI que está incluida en un cable especial con otras entradas y salidas (para mi son importantes puesto que suelo usar un controlador MIDI por usb directo al computador y otro por MIDI a la interfaz). Link de referencia…

Nota de software: Tiene su propio software, nunca lo dominé y lo encontré poco intuitivo, pero al estudiarlo lo usé bien, es cosa de estudiarlo y tener siempre claro como funciona.

Para grabar: Tal y como expliqué en la historia, la utilicé de todas las formas posibles (Excepto las SPDIF) y siempre respondió bien.

Para tocar en vivo: La configuración y ruteos de los phones fue poco intuitiva pero posible (para escuchar una señal distinta por los audífonos); aún así excelente


Pro: Calidad profesional, especial si quieres estar listo para todo y aún así tener algo portable; lo mejor de todo es su convertor AD/DA (y no sé porqué pero en protools suena increíble). Sólo la probé en OSX10.7 (Mac); los drivers funcionaron a la perfección. Robusta y resistente.

Cons: Bastante pesada (aún así vale la pena y es transportable). El conector externo que permite la conexión midi hace el proceso de montaje bastante más engorroso, pero vale la pena si vas a utilizarla con todas sus salidas y entradas. Incluso la usé para hacer sonar otros instrumentos através de mi DAW.

4- Saffire 26 (Focusrite)

Historia: El 2016 me robaron todos los equipos, entre ellas mi mbox. Por lo que desesperadamente busqué adquirir algo con 4 entradas híbridas, que respondiese bien pero a un costo medio (por asuntos de presupuesto). He usado la saffire durante un poco más de 2 años y en la práctica dónde más he usado sus características han sido:

1) en la radio, pasando guitarra, batería, 2 voces (coros) y voz principal además de mis VSTi (con la ayuda de una pequeña mesa también para poder entrar más señales de mic) y funcionó bien (al límite, pero bien)

2) con Árbol Mecánico, mi banda de rock, pasando todas las señales, pistas, vsi en vivo, avisos en in ear, y la mezcla entera desde Ableton Live (DAW) tanto de los instrumentos de FOH (Front of the House; refiriéndome a los parlantes que suenan para el público) así como los monitores que iban a un amplificador de audífonos, lamentablemente en cuanto a audífonos tiene un defecto TREMENDO.

Descripción rápida: Ésta interfaz FIREWIRE es 8×8 (4 híbridas, es decir tanto JACK1/4 como XLR) que en realidad es 6×6 puesto que usa 2 SPDIF in y out (que nunca usé ni supe usar). Utiliza software para configurar las rutas de entrada y salida. La trampa es que salida de Audifonos no es aparte de las normales, sino que DUPLICA la señal de 1/2 3/4 o 5/6. ésto quiere decir que en la práctica si quieres escuchar una señal distinta en tus audífonos, como el click, o avisos, pierder la salida 1/2, 3/4 o 5/6 haciendo que cada señal para audífonos te cueste 2 salidas oficiales. Con respecto al uso MIDI tiene entrada MIDI. Link de referencia… (focusrite sacó ésta línea de su página).

Nota de software: Tiene su propio software, nunca lo dominé y lo encontré poco intuitivo, pero al estudiarlo lo usé bien, es cosa de estudiarlo y tener siempre claro como funciona.

Para grabar: He usado todas sus entradas y salidas (Excepto las SPDIF) de formas tradicionales y atípicas (con mesa de sonido para meter mas mics) y funcionó, pero nunca con la conversión de la MBOX.

Para tocar en vivo: La configuración y ruteos de los phones fue poco intuitiva (un poco más que la MBOX) pero posible (para escuchar una señal distinta por los audífonos); aún así cumple con lo mínimo para usos profesionales.


Pro: Relación precio calidad, y sigue siendo transportable (bastante más liviana que la Mbox). No necesita fuente de poder externa, se alimenta directamente desde el computador.

Cons: No tiene salidas XLR (ésto se aplica a todas las anteriores, sin embargo es en esta etapa en la que uso monitores de estudio y me encantaría probar salidas XLR). Lejos el peor contra es que en realidad no es 6×6 sino que al usar audifonos se vuelve 4×6 y si usas 2 audifonos es 2×6; lo cual es terrible cuando no es exactamente lo que piensas cuando te dicen que es 8×8 (osea, 6×6 pq los SPDIF no los uso) con 2 salidas de audifonos; es natural pensar que esos audifonos son salidas aparte, pero no lo son. A diferencia de la Mbox aveces, cuando hay interferencia se nota mucho más: ejemplo práctico. Para presentaciones en vivo: al enchufar el MAC+MBOX3 a un lugar con conexión deficiente y saliendo por JACK1/4 no había ruido, pero en la misma situación con Focusrite, hay bastante ruido.


Esta es mi experiencia con interfaces; espero que sea de utilidad para el lector, también creé un video en el cual comento mi experiencia y te recomiendo verlo y comentar si es que te ha ayudado mi experiencia:


Danilo Dawson


  • Imágenes y utilidades de algunas Palabras Técnicas que pueden surgir a lo largo de la lectura o al ver el video (las siguientes imágenes fueron sacadas de Wikipedia):

    ** He evitado palabras como Controlador Midi o DAW puesto que está explicado en los posts anteriores.

    JACK 1/4 o Línea o Plug: Utilizada normalmente para enviar/recibir señales de audio de bajos o teclados. En realidad existen una infinidad de instrumentos que envían su señal por JACK1/4. Es una señal desbalanceada y suele adquirir ruido al usarse un cable largo, hacer una bobina con él (dejarlo enrollado cuando está conectado) o pasar por otros aparatos electrónicos. Cuando se amplifica desde algunos instrumentos ha de conectarse a una Línea Directa (otro objeto electrónico) para balancear la señal y enviarla a la mesa.

    Nota: En mi experiencia con Cables de línea siempre he usado cables Mono…

XLR o CANON: Señal Balanceada, utilizada tradicionalmente para micrófonos. Es capaz de mover +24V (También llamada PHANTOM o PHANTOM POWER); Energía necesaria para alimentar algunos micrófonos que necesitan ese voltaje para funcionar.…

RCA: Conector electrónico utilizado para audio y video.…

SPDIF: Conexión que no uso pero que está presente en la MBOX3 y Focusrite pro26…