En palabras simples es una forma de repartir en distintos instrumentos la subdivision del groove (lo que haría el hh o el ride en una canción pop). La técnica se aplica a multiples estilos con infinidad de resultados.
En el siguiente video muestro como hago layering sobre un groove de acción (de una composición por encargo para videojuegos).
Recuerden que si desean aprender más música pueden acceder a mi curso de teoría especialmente diseñado para productores y músicos que están empezando y quieren aprender en serio:
Varias personas me han preguntado si tengo un playlist donde recomiende música. La verdad es que (por ahora) no. Sin embargo tengo un playlist que nació como un espacio para recolectar música con métrica «laidback» y otras de estilo similar aunque no tuviesen esa subdivisión. Por lo mismo les comparto el link a spotify para la conozcan y la disfruten.
Para aquellos estudiantes de música popular, tanto mis estudiantes de composición como de otras escuelas, que les interese exceder los límites impuestos por las escuelas tradicionales. Les dejo una lista de canciones (en la música popular les llamamos «temas») para analizar armónicamente (cosa que en mi escuela llamo «armonía vertical» y que en el mundo se conoce como «armonía jazz»).
Los temas están ordenados por recursos utilizados; además dejo una lista de más temas libres que revisar de distintas dificultades que son conocidos por ser temas universales para el estudio, interpretación (e incluso para arreglos) para músicos populares.
Para analisis armónico desde el punto de vista jazz:
ARMONIA POP/JAZZ AVANZADA:
1:Res.Eng.A.D
Blood Count – Billy Strayhorn All of me – Simons Marks Chelsea Bridge – Billy Strayhorn Early Autumn – Ralph Burns I live for your love – Reswick/Werfel I’m All smiles – Leonard/Martin Bye Bye Blues – Hamm, Bennet, Cown, and Grey Killer Joe – Benny Golson Look to the sky – Jobim Love will keep us together – Sedaka/Greenfield Out of Nowhere – Green Heyman Put it Where you want it – Joe Sample Sea of love – Khoury/Batiste Summer Samba – Marcus / Valle Very Early – Bill Evans
2:I.M.
Breeze and I, the – Lecuona/Stillman Dindi – Jobim Do you know the way to San José – Bacharach/David Eleanor Rigby – Lennon/McCartney Every Little Thing – Lennon/McCartney Flamingo – Anderson/Grouya Fool on the Hill, The – Lennon/McCartney Hard Day’s Night, A – Lennon/McCartney Here come the sun – Lennon/McCartney I love you – Cole Portner Look to the sky – Jobim Lush Life – Billy Strayhorn Old Devil Moon – Harburg/Lane Promises, promises – Bacharach/David What is this thing called love – Cole Porter
3:N.P&Ost
Birds of fire – John Mclaughlin Chain Lighting – Steely Dan Dear Prudence – Lennon/McCartney Firm Roots – Cedar Walton Footprints – Wayne Shorter Getting Better – Lennon/McCartney Got to get you into my life – Lennon/McCartney High on the Mountain – Blood, Sweat and tears Love Supreme, A – John Coltrane Naima – John Coltrane On the green dolphin street – Kaper/Washington Owner of a lonely heart – Yes Resolution – John McLaughlin Sand Glass – Eberhard Weber Sponge – Brecker Brothers
4:A.M.
Black Narvissus – Joe Henderson Crystal Silence – Chick Corea Darkness – The Police First Light – Freddy Hubbard Follow your heart – John McLaughlin Little B’s Poem – Bobby Hutcherson Little Sunflower – Freddy Hubbard Maiden Voyage – Herbie Hancock Milestones – Miles Davis Moondance – Van Morrison Norwegian Wood – Lennon/McCartney Recordame – Joe Henderson Simone – Frank Foster So What – Miles Davis Within You, Without You – George Harrison
5:A.Comp.
After the Rain – John Coltrane Choices – Mike Stern Falling Grace – Steve Swallow Goin’ Home – The Yellowjackets I’m your pal – Steve Swallow Matinee Idol – The Yellowjackets Napanoch – Dave Liebman Never Givin’up – Al Jarreau Peep – Michael Brecker Plot Thickens, The – Jim McNeely River People – Jaco Pastorious Storyline – Bill Evans Theme for an Imaginary Western – Jack Bruce Ugetsu – Cedar Walton Wisper not – Benny Golson
6:Estr.Cons.
After the love has gone – EWF Birdland – Joe Zawinul Gemini – Jimmy Heath Havona – Jaco Pastorius Intrepid Fox – Freddy Hubbard Laurie – Bill Evans Like Sonny – John Coltrane Plot Thickens, The – Jim McNeely Povo – Freddy Hubbard Red Clay – Freddy Hubbard Some Slunk Funk – Randy Brecker Nimbus – Ron McClure Stolen Moments – Oliver Nelson Tell me a Bedtime Story – Herbie Hancock Watch what happens – Michel LeGrand
También para aquellos que estudian composición conmigo hay una lista de canciones que tendrán que escuchar y analizar además de sus 50:
Elvis Presley
His lastest flame Are you lonesome tonight Love me tender Cant help falling in love Hound Dog Jailhouserock
Latin
Dos gardenias Algo contigo Bésame mucho Contigo aprendí Contigo en la distancia El día que me quieras Inolvidable La barca Nosotros Perdida Reloj Sabor a mi Usted Solamente una vez
Anexo: Otros temas para analizar:
Jazz
Nivel 1
blue monk footprints all of me all blues blues for alice just friend lady bird alice in wonderland take the a train tune up»
Jazz
Nivel 2
my romance four askme now cherokee da houd all the things you are my one and only love days of wine and roses very early there is not greater love star eyes billie`s bounce airegin prelude to a kiss in wlaked bud bluesette this I dig of you
Jazz
Nivel 3
donna lee giant steps moment`s notice yes and no i mean you along come betty milestones (old) stablemates fantasy in d o bolivia 26-2 o lazy bird celia on green dolphin street dolphin dance ornithology
Como muchas otras cosas en la vida, la mentalidad es clave para lograr algo y la producción no es una excepción.
Durante
noviembre preparamos lo que sería la «Anti-presentación» de mi
«Anti-escuela» de compositores. Comenzamos a producirla hace 5 meses
aproximadamente y en esos momentos tratamos de calcular todo lo que
podría salir mal y prepararnos para cada uno de esos casos, midiendo
tiempos, costos y valores. Como ya sabrá el lector jamás pudimos
anticipar el nivel de lo que sucedería.
A
pesar de todo prevalecimos, y logramos el cometido, con mucho esfuerzo y
disciplina se puso a prueba todo, desde el solfeo melódico y rítmico,
el uso de la armonía, la escritura a mano, la lectura, el manejo del
DAW, a cosas más profundas como la composición misma y la exploración de
un lengüaje propio (especial desafío para aquellos que llevan menos de
un año) así como también enfrentarse a ser líder y no volverse loco en
el intento, contra el tiempo, contra los errores propios de ser humano y
tener un equipo humano.
Todos
aprendimos porque nos atrevimos a hacerlo, a sabiendas de que «todo lo
que puede salir mal, saldrá mal» y que aunque hiciésemos todo para
prevenir algún problema, existía (por supuesto) la posibilidad de que
algo no previsto sucediese. Nos atrevimos a ser vulnerables y correr
descalzos sobre el fuego y llegamos a la meta, porque fuimos un equipo.
En
general mi máxima felicitación se limita a guardar silencio y continuar
con el siguiente desafío, pero creo que merece un espacio de aplauso,
aunque sea digital, todo ese esfuerzo que se concretó en una primera
excelente experiencia. Gracias a todos uds. por su esfuerzo y trabajo
duro.
Estudiando encontré la siguiente cita, que me gustaría compartir: «La vida del músico de blues de gira, observa Charles Keil, proporciona toda la soledad y celo que se necesita para cantar blues de manera auténtica. Se trata de un poderoso extracto de la vida moderna. La situación de grabación es un extracto mucho más poderoso y representativo aún. Las cabinas de vidrio y los parlantes que aíslan al músico del resto de sus compañeros, la abstracción del público; la sensación de estar produciendo un objeto y de estar manufacturando una mercancía, la deconstrucción del tiempo en tomas y su reconstrucción por medio de empalmes son poderosas metáforas de la vida moderna. Su reflejo en la experiencia del oyente son la soledad, el uso de la música como objeto y como mercancía, el colapso de la arquitectura pública del tiempo y la creación de un diseño temporal interior privado. En tanto contradicen todo lo que alguna vez significó hacer música, resultan paradojas.»
Explicación desde la escala mayor: Algunas personas explican las escalas como 2 tetradas. Asumiendo la distancia entre 1 2 3 4 como la primera tetrada y 5 6 7 8 como la segunda, cada una con sus relaciones interválicas, en el caso de la escala mayor sería
1 2M 2 2M 3 2m 4 2M 5 2M 6 2M 7 2m 8
que en el caso de Do mayor sería: do 2M re 2M mi 2m fa 2M sol 2M la 2M si 2m do
Si lo pensamos desde el punto de vista planteado son 2 tétradas a distancia de x 2M x 2M x 2m x
Lidio: Si analizamos la estructura de una escala lidia tendríamos
1 2M 2 2M 3 2M 4 2m 5 2M 6 2M 7 2m 8
que en el caso de Do Lidio sería: do 2M re 2M mi 2M fa# 2m sol 2M la 2M si 2m do
resultando en 2 tétradas: La primera: 1 2M 2 2M 3 2M 4 La segunda: 5 2M 6 2M 7 2m 8
El super hyper mega meta lidio:
La explicación del super hyper mega meta lidio: Tan simple como poner la primera tétrada del lidio, asumir que la 5ta nota estará a una 2da menor y volver a repetir la misma tétrada, generando una escala que escala sucesivamente en el mismo patrón:
do re mi fa# 2m sol la si do# 2m re mi fa# sol# 2m la si do# re# 2m etc
Notas:
Nota Crítica: Una de las cosas absurdas de la perspectiva escala = 2 tétradas es que al considerar 2 tétradas no se resalta lo suficiente la distancia entre la primera y la segunda tétrada (en caso de la escala mayor la distancia entre las notas 4 y 5, que son una 2M. y en el caso de lidio es una 2m).
Nota constructiva: Por otro lado, es importante recordar que las escalas son inútiles si no sabes como usarlas, puesto que la música es relacional: no se trata de las notas, sino de las relaciones entre ellas; y para esto no hay libro que ayude, la mejor guía es crear junto a un maestro que te guíe personalizadamente.
Quick explanation of the super hyper mega meta lydian
Explanation from the major scale:
Some people explain the scales as 2 tetrads. Assuming the distance between 1 2 3 4 as the first tetrad and 5 6 7 8 as the second one, each with its intervalic relationships, in the case of the major scale would be
1 2M 2 2M 3 2m 4 2M 5 2M 6 2M 7 2m 8
in the case of C major would be:
2M re 2M mi 2m fa 2M sol 2M 2M yes 2m do
If we think about it from that point of view, there are 2 distance tetrads of x 2M x 2M x 2m x
Lydian: If we analyze the structure of a scale, we would have
1 2M 2 2M 3 2M 4 2m 5 2M 6 2M 7 2m 8
in the case of C lydian would be:
c 2M d 2M e 2M f # 2m g 2M 2M b 2m c
Producing 2 tetrads:
The first: 1 2M 2 2M 3 2M 4
The second: 5 2M 6 2M 7 2m 8
The super hyper mega meta lydian:
The explanation of the super hyper mega meta lydian: It is as simple as putting the first tetrad of the lydian, assuming that the 5th note will be a 2nd minor and repeating the same tetrad, generating a scale that is successively in the same pattern:
c d e f # 2m g a b c # 2m d e f # g # 2m a b c # d # 2m etc
Notes:
Critical Note: One of the absurd things of the scale = 2 tetrads perspective, refers to the distance between the first and second tetrads due to it is not sufficiently highlighted (in case of the larger scale the distance between notes 4 and 5 , which are a 2M. and in the case of lydian is a 2m).
Constructive note: On the other hand, it is important to remember that the scales are useless if you do not know how to use them, since the music is relational: it is not about the notes, but about the relationships between them; consequently there is no book to help you, the best guide is to create with a teacher to guide you personally.
3 errores a evitar cuando has de elegir un profesor o escuela
1- Que un músico sea rápido o que toque cosas complejas no lo convierte en un buen profesor:
Un
típico error es creer que por estudiar con X persona tocarás como esa
persona. Es fácil confundirse y creo que es un factor importante a
considerar, ya que no sólo sucede lo anteriormente expuesto sino que se
descubre que muchos excelentes intérpretes usan la pedagogía como un
medio de subsistencia sin tomar el peso al trabajo que conlleva guiar a
un estudiante dándole los recursos adecuados, en los tiempos que
corresponde a través de una planificación precisa y adaptada para las
habilidades y potenciales desarrollos del aprendiz (e idealmente
alineándose con sus objetivos: punto 3).
2- Pensar que porque una escuela tiene estudiantes «famosos» es buena:
En
Chile, las escuelas de música mienten, el prestigio lo gana cada músico
dependiendo no sólo de su trabajo musical sino de su habilidad en human
networking (lobby), marketing, producción, etc. Todas las escuelas
pueden vanagloriarse de los logros de sus estudiantes más conocidos: eso
no significa que ellos hayan hecho algún esfuerzo extra para que sus
estudiantes llegasen allí. Por otro lado la fama en si misma, no tiene
nada que ver con el valor musical, la disciplina invertida en la música,
el trabajo realizado y la calidad de éste. (ésta declaración da para
otro post).
3- No investigar lo suficiente:
Para investigar debes tener claro lo que deseas: si deseas hacer música o si deseas hacer música y ganar dinero haciéndola.
Conociendo
esa respuesta lo siguiente es comprender el paradigma de la música
(cómo funciona, cuáles son los rubros, cuáles de ellos son remunerados y
cuales son las posibilidades reales de trabajo). Luego de considerar
eso el profesor o escuela siempre tiene una misión y visión (quienes
son, de dónde vienen y hacia adonde van; quien no tenga esto claro como
pedagogo no vale la pena), con eso en consideración puedes contrastar
esa información con tus intereses y finalmente tomar una decisión
responsable, informada y sobretodo que esté alineada con tu verdadero
propósito musical.
3 mistakes to avoid when choosing a teacher or institution
1- A musician who plays faster or someone who plays complex things does not make him a good teacher:
A common mistake is to believe that by studying with a specific person
will make you like him. It’s easy to get confused and I think it is an
important factor to consider because not only the things that I already
mentioned happen but also you can discover that many excellent
interpreters use the pedagogy as a means of subsistence avoiding the
importance of this job, for instance, guiding a student by giving the
appropriate resources in periods of time through precise and adapted
planning for skills and also, potential the learner developments (and
ideally aligning with their objectives: 3rd mistake).
2-Thinking that an institution has «famous» students is a good one: In
Chile, music institutions lie, the prestige of each musician depends
not only of their work but also on his ability in human networking
(lobby), marketing, production, etc. All institutions can boast about
the achievements of their best-known students: that does not mean that
they have made some extra effort to get their students there. On the
other hand, the fame itself has nothing related with the musical value,
discipline invested in music, work done, and its quality. (This
statement is for another post).
3- Lack of research:
To
research you must be clear about what you want: if you want to make
music or if you want to make music and earn money. Knowing that answer,
the next step is to understand the music paradigm (how it works, which
ones are your options, which of them are paid and what are the real
possibilities to work). After considering those points, the teacher or
school always has a mission and vision (who they are, where they come
from and where they are going; who does not have this clear as a
pedagogue is not worth it), with that you can compare and contrast the
information with your own interests and finally make a responsible
choice, informed and above all, that could be aligned with your true
musical purpose.
¿Eres perfeccionista? ¿Autoexigente? ¿Conoces tus límites?
En
éste espacio de tips para mis estudiantes, clientes y suscritos varios,
normalmente doy tips apuntando a la productividad a partir de la
acción, pero esta vez iré a lo contrario.
En una vida
entera de trabajo incansable, dónde mientras más tiempo pasa el estudio y
el talento se hacen más insuficientes he descubierto un secreto
tremendo y que carga años de experiencia: está bien parar.
El
límite: En mi experiencia he tenido la suerte de conocer y exceder mis
límites, y creo que siempre es bueno saberlos. De esa manera puedes
adquirir compromisos que podrás cumplir y rechazar en los que no
alcanzarás a lograr el cometido de una forma óptima (esto abre a debate
«qué es óptimo» y por otro lado, un tema que da para otro post: ¿Cómo
decir que no?). Mis límites como compositor, sesionista de música
popular en piano, arreglador, productor y co-compositor, y profesor han
sido:
Composición: 200 canciones en 2 meses; 4 canciones en un día (a los 14 años)
En sesiones – grabaciones: grabar 12 temas en 2 horas (con banda) (2012)
En grabación de composiciones: grabar 16 temas en 3 horas. (el 2018)
En
composición y producción: Dar cierre a una colaboración composicional y
hacer el arreglo en el DAW-maqueta para 20 instrumentos aprox
(incluidos 6 brass) en un día. (2018)
En arreglos y
producción: hacer un arreglo de bigband con la grabación en vst en 2
días y Hacer 3 arreglos para cuartetos de cuerda y piano en una noche
(en ambos casos la experiencia fue una locura y honestamente preferiría
no repetirlo nuevamente). (2013 y 2018)
La cantidad no
implica calidad; mi última obra para piano «Colores» me tomó
prácticamente 6 meses escribir. El disco escamas me tomó 4 años, pero
Seventh Gate lo compuse (las líneas e ideas principales) en 2 meses.
A
sabiendas de mis límites prefiero tener 2 semanas para estudiar una
sesión/evento. En el caso de las producciones y composiciones por
encargo (o co-composiciones) entre 1 a 2 meses, pero eso es mi caso y
creo que cada uno debe encontrar el balance entre lo que considera lo
mínimo para entregar y el tiempo sano que tome realizarlo. Con respecto a
mis propias composiciones hoy en día he acumulado tantas que para
componerlas me tomo el tiempo que tenga que tomarme, y en la producción
de éstas el límite es la fecha de lanzamiento. Volviendo a los límites
en trabajos para-con otras personas: en muchos casos quedé con
sensaciones de stress y otras emociones negativas que… mirándolo con
retrospectiva no tiene ningún sentido cuando eliges hacer lo que te
apasiona.
Por supuesto que éste texto está escrito a
gente autoexigente, perfeccionista, que le encanta hacer bien las cosas y
que de cierta forma, no puede evitarlo; ésta es la gente con que
trabajo. Bajo ninguna circunstancia creo que la mediocridad lleve a
alguna parte, si bien en el mundo que vivimos ser experto en algo no
implica que te vaya bien, el desarrollo y despliegue de todas las
habilidades que implican avanzar requieren disciplina y trabajo. Caer en
el otro extremo es un problema que puede costarte muy caro si no sabes
parar aunque sea unos minutos, un día, o lo que sea necesario.
La
mesura me llegó como un rayo cuando empecé a tener serios problemas de
salud. Cosa que no había sentido realmente desde la lesión que adquirí
en mis viajes y que nunca me abandona. Desde distintos lados, estudios
de emprendimiento, yoga, libros filosofía, amigos, etc. comprendí que la
mesura es como el silencio de la música tradicional, sin respiro no hay
canto, sin aire no hay vida. Si no sabes medir la mesura mi tip de hoy
es búscala y sigue trabajando duro, avanzando constantemente, amando la
música/producción o lo que sea que hagas, disfrútala al máximo. Tener
esos pequeños respiros ayudan a recordar que somos unos
«»»»afortunados»»»» por poder darnos tiempo para hacer lo que nos
apasiona.
Fotografía y Texto: Danilo Dawson
ENG:
Tip: The importance of moderation in everything
In
this section which is dedicated to my students, clients and several
subscribers, I usually give tips, from the action, focused on
productivity, but now, I will go to the opposite way.
In
a lifetime of tireless work, as time goes by, the study and talent
becomes more insufficient. For that, I have discovered a tremendous
secret that carries years of experience: it is okay to stop.
The
limit: In my experience, I have been lucky to know and exceed my limits
because you can know them. Consequently, you can acquire commitments
that you can fulfill and also reject in which you will not be able to
achieve in an optimal way (but «what is optimal?», this topic could
develop another post too: How to say not?). My limits as a composer,
sessionist of pop music in piano, arranger, producer and co-composer,
and teacher have been:
Composition: 200 songs in 2 months; 4 songs in one day (at the age of 14)
– In sessions – recordings: record 12 tracks in 2 hours (with band) (2012)
– In recording compositions: record 16 tracks in 3 hours. (2018)
–
In composition and production: Close a compositional collaboration and
make the arrangement in the DAW-model for 20 instruments approx
(including 6 brass) in one day. (2018)
– In arrangements and
production: make a bigband arrangement with the recording in vst in 2
days and make 3 arrangements for a string quartet and piano in one night
(in both cases the experience was crazy and I would honestly prefer to
not repeat it again). (2013 and 2018)
Quantity
does not imply quality; My last piano work «Colors» took me almost 6
months to write. The disc called Escamas took me 4 years, but Seventh
Gate composed it (the main lines and ideas) in 2 months.
According
to my limits, I prefer to have 2 weeks to study a session / event. In
case of productions and compositions (works made for hire) or
co-compositions between 1 to 2 months, but that is my case and I believe
that each one must find the balance between what he/she considers the
minimum to deliver and the healthy time it takes do it. Regarding to my
own compositions, nowadays, I have accumulated so many that to compose
them I take the time I have to take, and in the production of these the
limit is the release date. Returning to the limits in work for- other
people: in many cases I felt stress and other negative emotions that …
looking back at it makes no sense when you choose to do what you are
passionate about.
Just to be clear, this text is
written to self-demanding, perfectionist people, who loves to do things
well and who, in a certain way, cannot avoid it; these are the people I
work with. Under no circumstances I believe that mediocrity leads
anywhere, although in the world we live, to be an expert in something
does not imply that you are doing well, furthermore, the development and
deployment of all the skills that involve moving forward require
discipline and work. On the other hand, moving on to the other extreme
is could be a problem that can cost you a lot if you can’t stop even a
few minutes a day, or whatever it takes.
The moderation
came to me like a lightning when I began to have serious health
problems due to I had not really felt that since the injury that I
acquired during my travels and that never leaves me. From different
points of view, entrepreneurship studies, yoga, philosophy books,
friends, etc. I understood that moderation is like the silence of
traditional music, without breathing there is no singing, without air
there is no life. If you don’t know how to measure moderation, my tip
today is to look for it and keep working hard, constantly moving
forward, loving music / production or whatever you do, enjoy it. Having
those little breaths help you to remember that we are «» «» lucky «» «to
be able to give ourselves time to do what we are passionate about.
Danilo Dawson 